A l’occasion de l’exposition « Mangareva », ouverte jusqu’au 24 septembre prochain, le Musée propose des séances de contes pour les enfants dès 6 ans. Corinne Billard, dite Coco la conteuse et Aimeho Charousset animent ces visites où le plaisir se mêle à la connaissance. Ils emmènent les enfants à la découverte du monde légendaire des îles Gambier à travers les légendes de Taaki et du Requin de Rikitea. Des histoires merveilleuses racontées… à merveille !

Qu’est-ce qu’un conte selon vous?
Coco : un conte est un voyage dans le monde de l’imaginaire et du rêve. C’est aussi une construction personnelle, car à travers les histoires entendues, on peut se projeter. Les histoires sont essentielles car elles permettent de découvrir le monde sans bouger.
Aimeho : le conte est un des plus vieux arts de l’humanité, basé sur la transmission entre les générations.

Conteur : métier ou passion ?
Coco : j’ai fait de ma passion mon métier. A la base, je suis libraire, spécialisée dans la littérature jeunesse. J’avais envie de raconter les belles histoires que je lisais, pour le plaisir. Désormais, je travaille exclusivement comme conteuse auprès des écoles, crèches, centres aérés, comités d’entreprise, etc.
Aimeho : en ce qui me concerne, conteur est mon « état » ! Je n’en ai jamais fait un métier. J’ai toujours raconté des histoires. A mes enfants d’abord, pour les endormir… Maintenant, qu’ils sont grands, je souhaite en faire profiter les autres !

Comment raconte-t-on un conte ?
Coco : il y a différentes manières de conter, selon les sujets, mais aussi et surtout selon sa personnalité et son vécu. C’est pourquoi il est impossible d’entendre deux fois le même conte ! Une histoire est toujours racontée avec ses émotions, ses mots, et cela influe sur la façon de la transmettre.
Aimeho : il existe des techniques variées en effet. Au Musée, j’ai essayé d’accompagner le récit avec un to’ere. Les percussions ponctuent les histoires, beaucoup de conteurs y ont recours. Mais je n’y suis pas parvenu, alors je suis resté sur ma voix.

Un conteur est-il un acteur ?
Coco : personnellement, je suis arrivée au conte par le théâtre. Il y a en effet une forme de théâtralité dans le récit oral. L’interactivité et les échanges sont importants pour tisser des liens avec son public. C’est ton attitude lors de ce moment privilégié que nous vivons tous ensemble qui va marquer et donc créer des souvenirs.
Aimeho : je crois que ce sont deux arts différents, même si ils sont issus de la même lignée.

Quelles sont les réactions du public ?
Coco : il y a trois publics : enfant, adolescent et adulte. Les enfants sont toujours prêts à entendre des histoires. Les ados, c’est plus délicat mais non moins intéressant. D’emblée, ils sont un peu réfractaires : « les histoires, c’est pour les bébés lala ! ». et puis au fur et à mesure de l’histoire, on voit leurs oreilles se tendre, leurs yeux et leurs bouches s’arrondir… et à la fin ils sont conquis ! Quant aux adultes, ils reviennent volontiers aux histoires et adorent ça.
Aimeho : c’est justement pour voir les réactions du public que je raconte des histoires ! J’aime particulièrement m’adresser aux enfants. Parvenir à les capter, à leur transmettre des émotions, quel bonheur !

Quelle est l’importance de cette activité orale d’après vous ?
Coco : les contes transmettent de petits savoirs essentiels. Ils apportent une manière de se construire différente de celle de l’école. Ces temps d’écoute et de partage sont fondamentaux pour la construction de l’être humain ! Raconter des histoires faisait autrefois partie du quotidien. Les anciens racontaient aux plus jeunes, et ce, aux quatre coins du monde. L’arrivée de télévision a créé une vraie barrière ; il faut savoir l’éteindre pour revenir à ces liens générationnels. Aujourd’hui, j’ai le sentiment que les « vieux » n’osent plus, ils craignent le manque d’intérêt de leurs enfants. C’est dommage.
Aimeho : elle est primordiale. Je ne suis pas très pédagogie, didactique, etc. Avec le conte, on a tous les éléments essentiels à la transmission et depuis bien longtemps. Il relie les hommes entre eux, aide à la construction de l’identité, répond aux mêmes attentes et procure le même émerveillement, que l’on soit Japonais, Polynésien ou Norvégien !

Y a-t-il des points communs entre les contes issus de cultures différentes ?
Coco : Oui, dans la mesure où d’une culture à une autre, on retrouve l’expression des mêmes émotions et questionnements : l’amour, la peur, le deuil, la joie, le bien, le mal, la morale, etc. Il y a des cendrillons sur tous les continents ! La force du conte, d’autre part, est de parvenir à transmettre de manière très subtile des sentiments très riches et profonds. Ensuite, les contes ne se ressemblent jamais dans la manière de les raconter. C’est son essence même : les histoires voyagent d’une personne à une autre et se transforment !
Aimeho : sur le fond oui, mais pas sur la forme.

Conter pour une exposition du Musée de Tahiti et des Îles : une première !
Coco : oui, et quelle expérience formidable ! Par le biais des légendes contées et visites guidées, la culture est rendue plus accessible et vivante. Les histoires suscitent la curiosité de l’enfant, l’amènent à regarder, s’interroger et comprendre. Imaginez les réactions des enfants à qui l’on vient de raconter la légende d’un héros et que d’un coup, ils voient en vrai « sa » rame, « son » tiki ! Les objets du patrimoine prennent ainsi vie dans leurs esprits. C’est bien là tout l’intérêt de la démarche.
Aimeho : c’est le pied ! La démarche d’amener le conte au musée, un univers impressionnant et sérieux aux yeux des enfants, le rend immédiatement plus abordable et même passionnant.

Les conteurs tiennent à remercier chaleureusement Jean-Marc Pambrun, directeur du Musée, Tara Hiquily, commissaire de l’exposition « Mangareva » et Christel Vieille, vacataire en médiation culturelle, pour leur initiative.

Trésors de Mangareva : légendes contées et visites guidées
Où et quand ?
- Au Musée de Tahiti et des Îles
- Jusqu’au 24 septembre 2009
- Séances pour les centres de loisirs les mercredis et vendredis
- Pour les familles : le samedi matin à 10h00 (sur réservation)
- Renseignements : 54 84 35 – secretdirect@museetahiti.pf

Les unu sont les grandes effigies polynésiennes en bois ornées de motifs géométriques, de figures animales ou anthropomorphiques, que l’on trouvait autour des lieux sacrés (tapu) et des marae. Ils étaient rangés durant la période de disette (matari’i-i-raro) pour être dressés sur les marae quelques semaines avant le retour de l’abondance (matari’i-i-ni’a), afin d’établir le contact avec les dieux qui allaient favoriser les récoltes. Hauts de plusieurs mètres, larges et très peu épais, les unu étaient peints en rouge. Deux élèves du Centre des Métiers d’Art ont revisité leur création.

Tout le monde s’accorde à dire que les unu n’étaient pas simplement décoratifs. Ils étaient situés sur les marae, lieux de culte où se déroulaient des cérémonies religieuses, édifices dédiés aux atua ou dieux polynésiens. N’ayant aucune certitude quant à la signification précise de ces sculptures, chaque archipel de Polynésie française avance des interprétations différentes. Chacun y va de son hypothèse et peut donc choisir d’y voir ce qu’il souhaite.

Le marae assurait la communication entre le monde des hommes et celui des dieux. Les unu pourraient donc être un instrument supplémentaire à cette mise en relation. C’est en tout cas ce qu’évoque leur forme pointée vers le ciel. Les unu ainsi dirigés pouvaient servir à la convocation des dieux qui apportaient force, mana aux hommes, pour assurer santé, équilibre et fertilité.

Raitia, élève au Centre des Métiers d’Art, a effectué des recherches – comme il est d’usage de le faire dans l’établissement – avant de créer ses unu. « On n’a pas découvert grand chose sur les unu car il n’y a pas beaucoup de témoignages écrits sur les objets sacrés des marae. On n’a que les informations que les Européens ont pu recueillir. Dans les îles de la Société par exemple, les marae étaient dans certains cas synonymes de sacrifices humains. Les unu devaient probablement être associés à ces événements.

Une autre interprétation européenne désigne le unu comme un perchoir aux oiseaux. On pense que les prêtres amenaient avec eux un oiseau quand ils venaient en mission dans les îles. À leur retour, ils le lâchaient et l’oiseau revenait alors se poser sur l’île, sur le unu qui lui était dédié. C’était un signe pour la population que le prêtre était rentré et qu’il était temps de commencer à préparer une cérémonie.

Beaucoup d’autres interprétations ont été évoquées. Nous nous sommes donc autorisé une grande liberté de création. On a pu s’inspirer directement de unu encore en place sur des marae et de là, on a créé des unu actuels, que l’on a modernisés. C’est un exercice supplémentaire pour appréhender différentes formes et d’autres manières de sculpter ».

Il existe différentes formes de unu.

Droits ou tordus, ils sont fabriqués en fonction du culte de chaque île. Les unu des îles du vent sont droits, ceux des îles sous le vent peuvent être tordus.

Certains ont des silhouettes humaines ; sur d’autres sont gravés des taura, animaux protecteurs attribués à la famille par les ancêtres, qui permettaient de se protéger de tout ce qui venait du monde invisible, de l’ombre et de faire le lien avec le monde visible. Les unu symbolisaient, pour beaucoup, les familles affiliées au marae.

Leur forme pointue peut être expliquée par le fait qu’ils servaient de perchoir aux oiseaux des chefs. Elle peut aussi être la représentation symbolique d’un capteur d’énergie, comme le sont les yeux des moai.

Art In le Méridien

Le Centre des Métiers d’Art a été invité à participer à la première édition de « Art In le Méridien », en décembre dernier. Ce sont les unu de Raitia et Raimana qui ont été choisis pour être exposés à cette occasion. Il s’agissait d’une journée autour du thème de l’installation, au sein des jardins de l’hôtel. Les oeuvres ont été mises en scène et illuminées durant la soirée.

Viri Taimana souhaiterait pousser l’expérience plus loin et faire fabriquer à ses élèves une trentaine de unu qu’il disposerait dans l’enceinte du CMA à l’occasion des 30 ans de l’institution, en février 2010. Il les imagine très colorés et d’environ 6 mètres de haut.

Rencontre avec Jean-Charles Hyvert, artiste peintre, décorateur d’intérieur et nouvellement professeur d’histoire de l’art et de peinture au Centre des Métiers d’Art.

Il en va de la peinture comme des autres arts : ils ont tous peu ou prou, de près ou de loin, une fonction thérapeutique. Tout est question de pratique et d’implication. Jean-Charles Hyvert, artiste avant tout, dispense depuis quelques mois des cours d’histoire de l’art et de peinture au Centre des Métiers d’Art. Il les veut résolument non consensuels.

Comment se déroulent tes cours ?
Avant le cours de peinture, on fait toujours un cours d’histoire de l’art. J’aborde les artistes en fonction du thème que l’on va évoquer après. Je passe des diaporamas pour que ce soit visuel, sinon, ça ne parle pas. Le principe c’est d’éveiller la curiosité des élèves, de leur présenter des choses qu’ils n’ont jamais vues parce qu’ils ne sont pas forcément allés dans des musées, de leur ouvrir des portes qui vont exciter leur intérêt, leur inspiration. J’essaie de leur montrer à travers différents courants et diverses visions de peintres ce qu’a pu apporter telle ou telle technique. Ensuite, sur la base de la théorie, on passe à la pratique.

Et en pratique, comment ça se passe ?
Je leur donne un sujet, en général plutôt abstrait. L’idée c’est qu’ils s’expriment avec leurs tripes, qu’ils aillent chercher ce qui est enfoui au fond d’eux. On travaille avec peu de moyens : des bouts de carton, des pots de peinture en bâtiment… Mais ça importe peu : l’essentiel n’est pas la finalité, mais le processus pour y arriver. Le but n’est justement pas de faire des chefs d’œuvre mais de faire sortir ce qu’ils ont du mal à exprimer dans leur vie quotidienne, de débloquer des sentiments, des émotions, en allant creuser au plus profond. Sur le thème de l’expressionnisme par exemple, je les ai fait travailler sur la façon d’exprimer les sentiments entre deux êtres. La peinture est un bon médium pour retranscrire des choses qui sont parfois difficiles à mettre en mots.

Mais ce n’est pas forcément évident…
Non, mais je crois qu’un artiste doit être capable d’exprimer ses émotions. Le but n’est pas de faire du beau, du lisse, du consensuel, mais de faire du vrai. C’est en allant au bout de cette idée que l’on arrive à faire des œuvres qui présentent un intérêt et ils y parviennent. Il faut aller au bout des choses. La technique, ça ne suffit pas : il y a des bons techniciens qui font des peintures complètement creuses.

Ils arrivent à te suivre ?
Ils ont tous un potentiel qui ne demande qu’à s’exprimer. Ce cours, c’est justement leur donner la possibilité de se lâcher. C’est comme un jeu auquel ils se prêtent, malgré les difficultés, et je suis particulièrement touché par ceux que je vois « souffrir » pour arriver à faire sortir quelque chose. Cet atelier, c’est comme une thérapie qui nous libère de nos routines ; ce qu’on pourrait appeler littéralement une « re-création ». C’est un peu une introspection, qu’ils apprécient dans l’ensemble, même si certains se font vraiment violence. On arrive d’ailleurs en quelques cours à voir ceux qui ont des blocages, ceux qui ont un potentiel mais qui ne le développent pas complètement… Après il faut arriver à appuyer sur le bon bouton.

Ça n’arrive jamais qu’un élève essaie de biaiser en te faisait croire qu’il est allé au bout de lui-même alors qu’il est resté en surface ?
Si, mais je m’en rends compte tout de suite, parce que je suis passé par là aussi. On peut toujours donner le change. Ceux qui sont susceptibles de le faire sont d’ailleurs ceux qui ont plus de technique que les autres justement, et grâce à leur savoir-faire, ils essaient de tricher. Mais ici, on n’est pas là pour en jeter plein la vue mais pour montrer ce qu’on a dans le ventre.

C’est une nouvelle passion l’enseignement ?
À la base, je n’ai pas du tout la fibre pédagogique, mais ça se passe vraiment bien et je le fais avec beaucoup de plaisir. Je trouve ce cours très intéressant et c’est agréable car on commence à se connaître, à établir un rapport de confiance. Ça me motive beaucoup. C’est aussi enrichissant pour moi que pour eux finalement.

—————————–

Comment devenir professeur d’art ?
Éduquer l’œil, la main et l’esprit, tel est le rôle de l’enseignant d’art qui doit initier les élèves à la pratique artistique, tout en développant chez eux le sens esthétique autant que la créativité. Cours d’histoire de l’art, commentaires de tableaux, travaux pratiques, exercices à thème, sont autant d’occasions d’éveiller la sensibilité et d’aiguiser le sens critique, d’apporter les outils, les techniques et les moyens de réaliser des œuvres personnelles. La majorité des professeurs d’art exercent en collège ou en lycée. Certifiés ou agrégés, ils ont été recrutés sur concours et sont fonctionnaires. Les autres – en général employés par la municipalité – interviennent dans les écoles maternelles et élémentaires, dans les écoles d’art, voire en atelier.
Après le BAC > De trois à quatre ans d’études pour préparer une licence en arts plastiques ou appliqués ou un master, afin de se présenter aux concours de recrutement de l’Éducation nationale (CAPES, CAPET, agrégation). De trois à cinq ans en école d’art pour préparer les DNAT, DSAA, DNSEP, des diplômes appréciés dans le privé. Enseigner dans les écoles des beaux-arts, écoles d’arts appliqués, etc. exige de l’expérience.
Le CMA, beaucoup plus qu’un simple centre
Dans l’objectif de développer au maximum la créativité des apprentis du Centre des Métiers d’Art, Viri Taimana, son directeur, planifie régulièrement de nouveaux cours. Cela permet aux élèves d’enrichir leur vision de l’art et de ne pas s’enfermer dans un rôle d’artisan qui ne ferait que copier. Avec pour ambition de faire de l’établissement, plus qu’un simple centre, une école des beaux-arts, il leur offre une vision très éclectique de l’art et de ce qu’il peut leur apporter.
Infos pratiques
Centre des métiers d’art
Accueil ouvert du lundi au vendredi de 08h à 16h
Tél. : 43 70 51 /
Fax : 43 03 06
secretariat.cma@mail.pf

Jean-Marc PAMBRUN

Si le documentaire n’en est encore qu’au stade embryonnaire en Polynésie, sa récente émergence soulève les questions de sa particularité. Pour écrire un documentaire, il faut avoir envie de livrer son point de vue sur le monde et être capable d’organiser la réalité pour la retranscrire. Voici un aperçu du métier de documentariste avec deux professionnels : Franck Philippon, qui a écrit de nombreux scénarios pour la télévision française et le cinéma et Benjamin Picard, qui travaille à Tahiti.

« Un documentaire c’est ordonner le monde ».

Franck Philippon a signé trois films en tant que scénariste : «A ton image» en 2004, «Chrysalis» en 2007 et «Divorces !», actuellement en tournage. En télévision, c’est surtout dans la création de séries qu’il s’est illustré : «La Crim’» en 1998, «Le lycée» en 2001 et «Alice & Charlie» en 2006. L’année dernière, il a également adapté, pour le petit écran, le célèbre roman de Marc Lévy, «Où es-tu ?».

Quelle est la particularité de l’écriture documentaire ?

Dans l’écriture documentaire, on essaye de raconter le réel tout en lui donnant un sens. Il ne s’agit pas simplement d’aligner les faits, mais de faire en sorte que la manière dont on les aligne donne du sens à une réalité qui n’en a pas nécessairement à première vue. Quand on est documentariste, on a une matière (des heures et des heures de plans), qu’il va falloir à un moment trier, organiser et monter. Automatiquement, dans les choix que l’on va faire, on exprime notre point de vue. Le documentaire, c’est justement ça : un point de vue sur le monde.

Est-ce que l’écriture documentaire demande des qualités particulières ?

Une curiosité énorme par rapport au monde réel, aux choses et aux gens. Une envie de raconter dans un principe de générosité. Il ne faut pas avoir trop d’idées préconçues. Ensuite il faut de l’obstination, de la conviction, mais je crois que c’est surtout une envie de regarder le monde tel qu’il est et de le transmettre. Ce n’est pas toujours très agréable, ni forcément évident car il y a des choses que l’on n’a pas envie de voir.

Il faut donc pouvoir prendre suffisamment de distance pour montrer les choses, même celles que l’on n’a pas envie de voir ?

Oui, je pense. Il y a un jeu très subtil entre le fait de savoir à peu près ce que l’on veut dire, d’avoir un point de vue, et d’être capable de confronter ce point de vue à une réalité qui est beaucoup plus compliquée et qui parfois vous contredit. Il faut accepter cette possibilité et donc être capable de se remettre en question ; tout en veillant à rester du côté de la réalité et pas de l’idéologie.

Ça veut dire pouvoir rester humble ?

Il faut avoir une très grande humilité et en même temps, c’est aussi une histoire de point de vue. C’est-à-dire qu’il ne s’agit pas d’être à la disposition de la réalité en restituant ce que l’on a vu ou compris. C’est plus que de la restitution ; c’est de l’organisation. Donc c’est quand même un point de vue, mais qui doit être suffisamment humble et adaptable, curieux et généreux pour être capable de ne pas rester sur des présupposés ou des idées préconçues. Parce qu’à chaque fois que l’on arrive sur une réalité, de toutes façons, c’est avec son propre regard, ses propres convictions… Voilà toute la difficulté.

Franck Philippon donnera une conférence dans le cadre du FIFO sur les films à cheval entre fiction et documentaire, ces films qui doivent faire face à un double défi : à la fois donner du sens au réel, en tant que documentaire (racontant le réel) et en même temps en tant que film (œuvre de fiction), pour montrer les différences dans le récit, les outils et les enjeux de chacun.

Où et quand ?

• A la Maison de la Culture, sous le grand chapiteau
• Vendredi 30 janvier à 09h00
• Renseignements au 544 536 – 70 70 16 / www.maisondelaculture.pf / www.filmfestivaloceanie.org

Benjamin Picard, « le documentaire est un pari »

Benjamin Picard a déjà réalisé deux documentaires en Polynésie et travaille actuellement sur un troisième. Il nous livre sa vision du métier.

« Le documentaire c’est une façon de voir le réel et de le faire voir. C’est un peu un pari, car lorsque l’on écrit un scénario pour un documentaire, on ne peut pas être sûr de la manière dont vont se dérouler les choses, on ne peut pas savoir à l’avance ce qui va se passer. Finalement, ça paraît presque incongru de vouloir écrire un scénario de documentaire. Il s’agit plus d’écrire dans les grandes lignes ce que l’on a envie de dire, ce que l’on espère voir… Et heureusement, la réalité est souvent bien plus intéressante que ce que l’on avait imaginé au départ. Ce qu’il y a surtout de spécifique dans l’écriture d’un documentaire, c’est que l’on va y mettre son intention : quel point de vue on a sur le sujet, comment on voit les choses et comment on va les montrer ? Le documentaire, c’est un peu une introspection : il faut aller visiter au fond de soi-même et expliquer ce que l’on a envie de faire. C’est vraiment une vision personnelle, un regard qualifié, un témoignage avec une valeur ajoutée. Contrairement à un reportage, le documentaire n’est pas là pour expliquer, il ne se justifie pas. Il y a une grammaire cinématographique dans le cadre du documentaire, alors qu’il y a une écriture journalistique dans le reportage. Pour faire un documentaire, je crois qu’il faut savoir rester humble pour pouvoir s’adapter à la réalité et pour ma part, j’essaye d’être le plus discret possible ».

Comment devenir documentariste ?

ll n’y a pas de « diplôme » strictement requis pour accéder à ce métier. Cependant, plusieurs écoles et universités en France y préparent (l’Ecole Supérieure de Réalisation Audiovisuelle, l’Ecole Supérieure libre d’Etudes Cinématographiques, les Universités de Poitiers et Grenoble 3 préparent à un Master documentaire de création, etc.). Mais une pratique auprès de réalisateurs professionnels reste la meilleure des portes d’entrée !

Toute la liste des formations du secteur audiovisuel sur http://www.formation-culture.com

Depuis plus d’un an, l’APAC* participe au développement et à la professionnalisation de la filière audiovisuelle locale. Denis Grellier et Nelson Tapare-Pin nous en disent un peu plus sur cette aide qui permet de favoriser les productions audiovisuelles réalisées en Polynésie.

Qu’est-ce que l’APAC ?

L’APAC est une subvention de la Polynésie destinée aux professionnels de l’audiovisuel. Elle a été instaurée afin d’aider des projets de production audiovisuelle à différents niveaux : écriture, développement, production, réalisation et organisation de manifestations. Il s’agit en particulier de co-financer les budgets de production de documentaires, de fictions, de films d’animation et de clips vidéos.

Comment est-elle née ?

Le président Gaston Tong Sang avait lancé l’idée lors du FIFO 2007. On a constaté que la création audiovisuelle était relativement riche dans tous les pays du Pacifique alors qu’elle avait tendance à décroître en Polynésie. La raison d’être de cette aide est donc de redynamiser le secteur.

À qui est-elle destinée ?

À tout porteur de projet qui fait la promotion du Pays, de la richesse de son patrimoine culturel et naturel. Pour s’assurer de la qualité des projets, plusieurs conditions sont exigées, notamment avoir réalisé une œuvre équivalente et être soutenu par un diffuseur. Pour ceux qui débutent dans le métier, on demande une formation ou l’appui d’un professionnel.

Comment fonctionne-t-elle ?

Les dossiers déposés au SDIM* sont présentés à une commission consultative composée du SPAPF*, de l’ATPA*, de l’Association FIFO, de l’ICA*, des deux diffuseurs locaux TNTV et RFO, du Ministère du Tourisme, du Ministère de la Culture, de la CCISM* et de deux représentants de l’Assemblée. La commission est présidée par le Ministre de l’Industrie, des Très Petites, Petites et Moyennes Entreprises et des Métiers, qui est garant des décisions finales. 40% de l’aide sont versés à la publication de l’arrêté au Journal Officiel. À fourniture du produit fini (Master au format professionnel, budget définitif et PAD*) les 60% restants sont versés.

* SDIM : Service de Développement de l’Industrie et des Métiers

* APAC : Aide à la Production Audiovisuelle et Cinématographique

* SPAPF : Syndicat des Producteurs Audiovisuels de Polynésie Française

* ATPA : Association Tahitienne des Professionnels de l’Audiovisuel

* ICA : Institut de la Communication Audiovisuelle

* CCISM : Chambre de Commerce, d’Industrie, des Services et des Métiers

* PAD : Prêt A Diffuser, c’est-à-dire la validation du diffuseur

Quelques chiffres de l’APAC :

- Novembre 2007 : 45 millions Fcfp ont été débloqués pour 14 projets de production

- Juillet 2008 : 21 millions Fcfp pour 15 dossiers

- Novembre 2008 : plus de 25 millions Fcfp pour 8 dossiers

D’autres projets pour promouvoir les métiers de l’audiovisuel :

- En 2009, un nouveau cursus de 9 modules à l’Université de Polynésie sera mis en place pour former à différents métiers de l’audiovisuel (son, image, production, écriture de scénario, etc.). Ce « Diplôme d’Université – Métiers de l’audiovisuel » fera intervenir des professionnels de l’Institut National de l’Audiovisuel (INA). Pour plus de renseignements : www.upf.pf/formations-et-inscription.html

- Un projet de partenariat entre la Polynésie et le Centre National de la Cinématographie (CNC) est également sur les rails, afin de permettre aux producteurs locaux de bénéficier des aides du CNC.

Informations & renseignements

- SDIM
- Tel : 50 28 80

- infos@sdim.pf ou www.sdim.pf

Le colloque des télévisions océaniennes se tiendra pour la 3^ème année consécutive, en partenariat, cette année, avec la Confédération du Football Océanien. Du mardi au vendredi, de 14h à 16h, les responsables des chaînes océaniennes se réuniront pour débattre autour de problématiques communes.

Des ateliers gratuits de montage vidéo et de prise de vues, animés respectivement par Ivea et Synergie seront organisés du mardi au samedi. Ils accueilleront plusieurs fois par jour une vingtaine de personnes pour les sensibiliser aux métiers de l’image.

Un atelier d’écriture de scénario essentiellement destiné aux professionnels sera animé par le scénariste Franck Philippon qui donnera par ailleurs une conférence sur l’écriture de scénario des films à cheval entre fiction et documentaire, le vendredi 30 janvier à 09h, au centre du village du festival.

Tous les soirs seront organisées au Petit Théâtre des rencontres avec les réalisateurs des films.

« Les 1ères rencontres numériques du FIFO » feront intervenir lors de tables rondes des personnalités de référence tous les jours de 16h à 18h, pour discuter de l’arrivée du câble et de la TNT en Polynésie française.

Où et quand ?

- Maison de la Culture

- Du 27 janvier au 1^er février, de 08h30 à 23h00

- Ticket journalier à 1 000 Fcfp / étudiants : 500 Fcfp / gratuit pour les scolaires

- En vente à la Maison de la culture à partir du lundi 9 janvier

- Informations et inscriptions aux ateliers : 70 70 16 ou 544 536 – www.fifotahiti.org et www.maisondelaculture.pf. – info@fifotahiti.org

Le Centre des Métiers d’Art de la Polynésie française (CMAPF) est un établissement public administratif qui a pour vocation la formation des jeunes aux métiers de l’artisanat d’art océanien et aux arts visuels polynésiens. Il a été créée en 1980 par un ancien élève graveur de l’Ecole Boulle, Monsieur Henri Bouvier.

Le CMAPF est un espace ouvert sur l’art traditionnel dont la mission est de préserver les spécificités artistiques inhérentes à la tradition et au patrimoine polynésien et océanien. Il œuvre aussi à la continuité des arts polynésiens sous des formes nouvelles en incitant les élèves à la conquête d’une expression personnelle par l’acquisition des techniques actuelles et du langage plastique.

L’établissement a pour mission la formation théorique et pratique d’artistes et d’artisans hautement qualifiés dans les disciplines artistiques traditionnelles et modernes, la recherche et le perfectionnement des techniques artisanales.

A l’issue de 3 années de formation, Le Centre des Métiers d’Art de la Polynésie française délivre des diplômes de gravure et de sculpture reconnue en Polynésie française. Une pédagogie différenciée prend forme et incite les élèves à s’investir fortement dans une méthodologie de recherche et d’expérimentation dans le but d’asseoir un savoir et un savoir-faire maîtrisés.

Les perspectives d’emploi des élèves du Centre des Métiers d’Art de la Polynésie française sont :

-          l’insertion dans le tissu économique de la Polynésie française par l’entreprenariat individuel ou par l’emploi en tant que salarié dans des ateliers professionnels de créateur

-          la poursuite d’études supérieures d’art pour devenir des créateurs en arts visuels polynésiens

Le Centre des Métiers d’Art de la Polynésie française, établissement reconnu en Polynésie pour la qualité de son enseignement, est parvenu à se forger une réputation dans le bassin Pacifique, nouant des relations avec des universités et des institutions de pays océaniens et de pays limitrophes de la zone.

Contacts :

Centre des Métiers d’Art de la Polynésie française,

Avenue du Régent Paraita

BP 1725 Papeete – Tahiti

Tel : (689) 43 70 51 – Fax : (689) 43 03 06

Site web : http://www.cma.pf

« Il est temps que les Polynésiens témoignent de ce qu’ils sont »

L’enseignement de l’histoire et de la culture polynésiennes au Centre des Métiers d’Art, ce sera l’apport de connaissances sur la géographie et la sociologie, mais également des cours sur le patrimoine matériel et immatériel polynésien : ses traditions, ses arts, ses rituels, etc. « La finalité de ces trois années de cours est de donner envie aux stagiaires de chercher par eux-mêmes les éléments de leur patrimoine nécessaires à leur profession future. Comme pour la littérature, il est temps que les Polynésiens témoignent de ce qu’ils sont, de ce qu’ils pensent et de ce qu’ils savent faire à travers des productions d’objets de qualité, expressions d’une culture matérielle aussi riche que variée ».

La cathédrale Saint-Michel de Rikitea, localisée sur l’île de Mangareva dans l’archipel des Gambier, a été classée monument historique et culturel de la Polynésie Française le 30 juillet 2002. Depuis la première rénovation de sa toiture au début des années 1970, la cathédrale a subi de nombreux dommages. Il y a bientôt 4 ans, elle a été fermée au public pour travaux. Depuis, beaucoup d’encre a coulé. Rénover ? Comment ? À quel prix ? Par qui ? Autant de questions qui restaient jusqu’alors sans réponse.

Fin octobre 2008, Pierre-Antoine Gatier, architecte en chef des monuments historiques a été mandaté par l’Etat français pour venir évaluer l’importance des rénovations nécessaires à la survie de la cathédrale mangarévienne. Aujourd’hui, le cahier des charges est à peu près défini et l’échéancier établi. Le chantier devrait durer deux ans et débuterait au cours du premier semestre 2009. L’architecte n’a pas manqué de saluer, lors d’une conférence de presse à ce sujet le 30 octobre dernier, « la valeur exceptionnelle de l’édifice ». « Ce qui justifie encore plus ces travaux de restauration et nous impose l’esprit d’un projet très respectueux des structures d’origine, dans une démarche très archéologique pour restaurer, sauvegarder cette cathédrale, son architecture, et ses détails de mise en œuvre ».

Identifier la mémoire pour transmettre les savoirs

Précieux témoignage d’une période intense de construction et d’effervescence religieuse aux Gambier, la cathédrale de Rikitea est une synthèse très rare entre des mises en œuvre telles que l’on peut les trouver en métropole et des savoir-faire qui n’existent qu’ici. « Sa structure présente des qualités de stabilité absolument remarquables, poursuit Pierre-Antoine Gatier. Il nous apparaît que ce chantier doit être l’occasion de développer une politique de transmission de ces savoirs. Tous ces gestes techniques que recèle cette cathédrale doivent être revivifiés, réappris, transmis lorsqu’ils sont encore parfaitement sus. L’idée est qu’autour du chantier, il y ait un travail de formation d’artisans et de jeunes ». Le projet du Ministère de la Culture est d’identifier les personnes qui ont la mémoire de ces pratiques. La charpente en arbre à pain (maiore) démontre un travail très sophistiqué. Les enduits à la chaux corallienne et les voûtes en structure de roseaux sont des vestiges rares ; l’exigence est de les restaurer au plus proche de leur état d’origine et de faire revivre les savoir-faire nécessaires à leurs réalisations. Pour chacun des corps de métier sollicité, les équipes seront constituées de quatre à dix personnes, l’idée étant de pouvoir faire profiter des connaissances de chacun des ouvriers à un maximum de personnes.

Un projet nourri de solidarité et d’engagement populaire

« La chance du redémarrage du projet, explique Pierre-Antoine Gatier, est que cela nous oblige à nous poser les grandes questions de choix des matériaux. Il faut privilégier ceux qui assureront la durabilité de la restauration ». L’enveloppe envisagée pour les travaux est de l’ordre de 600 millions de Fcfp, selon le ministère de l’Equipement. Compte tenu de la dimension de l’édifice et de la sophistication de sa structure, il faut imaginer un chantier d’environ 2 ans. « Ce qui est tout à fait enthousiasmant dans ce montage, révèle Pierre-Antoine Gatier, c’est que le financement se partagera entre les mécènes, les institutions publiques et des particuliers » – au travers, notamment, de l’association « Sauvons la cathédrale de Rikitea ». Le Ministre de la Culture, Joseph Kaiha, a souligné que le gouvernement s’engageait à soutenir ce projet appartenant à notre patrimoine religieux et culturel « et dont la population attend la restauration avec beaucoup d’impatience ». Cette entreprise montre aujourd’hui un Pays et un Etat partenaires, soucieux de l’intérêt et de l’avenir de la population des Gambier. Une population empressée de retourner dans ce lieu de culte, depuis trop longtemps fermé, pouvant d’accueillir plus d’un millier de fidèles.

Des travaux…
De quel genre ?

• démonter les couvertures pour rétablir la toiture d’origine (en pandanus ou en tuiles mécaniques de Marseille)
• refaire la charpente en arbre à pain, attaquée par les termites*
• restaurer la voûte en roseaux et les façades (reprise des enduits à la chaux corallienne)
• consolider les maçonneries de moellons en pierre de corail

Combien ? à quel prix ?

• budget : 600 millions de Fcfp
• durée des travaux : 2 ans
• une équipe de plus de 30 personnes mobilisées pendant la durée du chantier

Une œuvre unique de 169 ans

Lorsqu’en 1834, les Frères des Sacrés Cœurs de Picpus arrivent à Mangareva, la première mission catholique de Polynésie voit le jour. Honoré Laval, le supérieur de la mission, multiplie la construction d’édifices religieux dans l’archipel des Gambier entre 1836 et 1871. Le plus grand et le plus ancien monument de la Polynésie, l’imposante cathédrale Saint-Michel de Rikitea, est édifié à partir de 1839 sur un ancien marae, en plein cœur du village. Longue de 48 mètres, large de 18, elle présente comme particularité de posséder deux clochers, qui avoisinent les 21 mètres de hauteur. Si elle a su conserver une authenticité exceptionnelle grâce à l’entretien quotidien dont elle a bénéficié pendant toutes ces années, il n’en reste pas moins vrai que des travaux de restauration sont aujourd’hui nécessaires pour que survive cet héritage unique.

* Les ministères de l’Equipement et de la Culture ont d’ailleurs décidé d’engager à très court terme un traitement anti-termites de cette charpente.